Рецензии на фильмы и сериалы

Начать, пожалуй, надо с того, что Тирсо де Молина талантом на порядок уступал Лопе де Веге. Поэтому согласен с теми, кто считает фридовскую «Благочестивую Марту», как и его же «Дона Сезара» , достойными скорее, серебряного фонда советского кино, чем «золотого».
Лично моё мнение постановщик шедевральных, потрясающих картин типа «Двенадцатой ночи» и «Собаки на Сене» на последнем фильме и надорвался. Или как у каждого человека в жизни именно тогда у Яна Фрида был пик его творческой и интеллектуальной активности.

И вот, после Шекспира и гениального Лопе де Веги, выбран не самый талантливый автор (что, Кальдерона мало переводили!? А для «дона Сезара» вообще возьмут пьесу малоизвестных французских актеров), да и не самая смешная пьеса даже и у того же Тирсо Де Молина.

И Графиня Диана из «Собаки» (чудом выжившая потом как Миледи - не Атос ли специально такого палача нанял, чтоб «понарошку рубил), оказавшись внезапно в Испании, вынуждена жить в роли дочери небогатого дона Гомеса (Стржельчик). И возникает мысль: а не выбор ли Маргариты Тереховой на главную роль чуть ослабил фильм целиком ведь блистает, по сути, она одна. Этакий «бенефис». Или дело в партере? Или в «напарнике главного героя»?
Поймите меня правильно, я не ругаю фильм, просто рассуждаю о том, почему «Благочестивая Марта»скорее, в «Серебряном» фонде костюмированных мюзиклов СССР, а не в «Золотом», как «Собака на сене» того же Фрида. «Дуэнья» Григорьева или «Укрощение Строптивой» Колосова.
Попробуем разобраться. Вообще ужас-то кастинга перед картиной состоял в том, видимо, что перед Яном Фридом был, скорее всего, мучительнейший выбор: после триумфов в «Собаке» и первых «Мушкетерах» не взять Терехову невозможно! Кто, если не она? (хотя сугубое имхо, - можно было бы рискнуть с Алферовой , но ту в мире кино СССР отчего-то не любили) Но кого Тереховой в партнеры? Опять Боярского? Так зрители начнут хохотать, даже не вникая в смысл пьесы. К тому же существовал риск, что Михаил Сергеевич (Боярский, а не тот о ком все до сих пор нежно думают!) мог бы попытаться отомстить Маргарите Борисовне за реально разбитый в «Собаке» нос.
Пьеса о несбыточной любви, выбор пал на специализирующегося на ролях «вздыхающих романтиков» Эммануила Виторгана. Но зачем тогда было брать ему в напарники харизматичного, напористого, адски талантливого Николая Караченцова (Пастрано)? Не в пример «дону Фелипе» именно от Пастрано так и пышет с экрана дворянской удалью, задиристостью и дерзостью. А ведь, «по условиям игры» Пастрано не дворянин. Виторган-старший всегда хорош (не в пример младшему, взятому в актеры по традиции), но беда в том, что Караченцов-то ярче! Во всяком случае, в «Благочестивой Марте». А, согласитесь, совсем не дело, когда второстепенный герой затмевает главного. Когда слуга «дворянистее» господина. Причем когда Караченцов и Виторган «работают в паре» - они же оба отличные актеры, то всё прекрасно, смеешься: этакий «энергичный Тарапунька и унылый Штепсель». Но как только они разделяются, так сразу дон Фелипе совсем исчезает в лучах энергетики, испускаемой Тереховой. Даже специально выдуманные для персонажа Виторгана «гэги» - знаменитое «каков недуг ваш П-паралич!» и прочее, сами по себе запоминаются, но Фелипе не спасают. Ведь запоминаются именно эти «хохмы», а не персонаж. Но так как Виторган все же талантливый актер, первые полчаса его унылое лицо моё терпение выдерживает, благодаря выразительной мимике артиста. Но сколько можно! во второй серии «возвышенно-страдающий» и безнадежно влюбленный Фелипе начинает надоедать. Даже, когда «на помощь» является Караченцов. Возникает ощущение дворянин Пастрано хочет как-то приободрить любимого старого слугу, Фелипе. Ей богу, взяли бы вместо Караченцова Фараду или Светина у них бы получилось сделать так, чтоб даже «недужный Фелипе» казался господином и дворянином, а не грустным спаниелем в ветеринарной лечебнице. Непонятно, как не осточертел он умной Марте унылым видом и разглагольствованиями в стиле «я тебя люблю, но жизнь так неоднозначна!».
Чем же хорош фильм помимо Тереховой и Караченцова? Почему так нравится мне и зрителям? Во-первых, еще и игрой «стариков» - Кадочникова (опять же старшего страх берет от этих династий, хотя, проживи Петр Павлович дольше своих 36 лет и не погибни так трагически кто знает?), Стржельчика, - вроде бы им и реплик особенных не выдумывали, а как ярко и выразительно смотрятся на экране и старый солдат «не предающий значения словам любви» Урбино, и дон Гомес!

И бытовыми сценами, вставлять в свои фильмы такой мастер Ян Фрид: то колоритный брадобрей, то забавный осел у поилки, то пышная сцена на корриде.
И Терехова блистает столь же ярко, как и в других фильмах! Бедную Светлану Тома (донья Лусия) на её фоне не замечаешь. Как, в общем-то, и должно иногда быть в связке « Главная Героиня её наперсница». Впрочем, и Виторгана почти не замечаешь. Как НЕ должно бы быть никогда. И даже в сцене с сестрой на 30 минуте первой серии («Как смеешь ты любить убийцу брата!?»), когда Терехова повторяет почти полностью «психологический этюд» Дианы из «Собаки», она добавляет в этот эпизод новые, «вкусненькие», как говорят теперь, черты.
По слухам из Сети и даже кое-каким фактам, Маргарита Борисовна Терехова, несмотря на то, что официально объявила об «отходе от дел» еще 10 лет назад, до сих пор обучает молодых актрис. Дай бог ей здоровья а её ученицам внимательности, прилежания и таланта, может, у нас и появятся, наконец, настоящие молодые актрисы. А то прямо беда и мужской шовинизм: минимум десяток достойных актеров я могу назвать сходу. Но все это будут мужчины. Из женщин наше кино (точнее телевидение и общая политика деятелей культуры и зрителей) сделали «сериальных типажей», никак не актрис.
P.S.: Сын Павла Кадочникова, Петр, погиб меньше, чем через год после «Благочестивой Марты» и вовсе не от полученного от Виторгана удара шпагой. Он занимался альпинизмом в Карелии - а дальше дело темное, официально, «сорвался со скалы».

Высадившись с целой горой чемоданов, несколько путешественников осматриваются в поисках носильщиков и такси. Но нет ни одних, ни других. Впереди их ждет лишь пустыня, наполненная приключениями. Порт Морсби и Кит путешествуют по территории Северной Африки в поисках чего-то нового и неизведанного. После десяти лет брака каждый из них надеется, что именно это путешествие сможет вдохнуть новую жизнь в их брак. Сюда они приехали за вдохновением.

Однако спасение брака не является единственной целью их путешествия. Он испытывает надежду на возвращение к работе, а она хочет освежить свои чувства. У них нет детей, а разобщенность все неотвратимее наступает на их и без того непростые отношения. Затухающим чувствам практически не за что зацепиться.

В Марокко к супругам присоединяется попутчик Джордж. Джордж очарован этими людьми, но особенно его влечет Кит. Сопровождающий их молодой бога ищет иного, отличного от постоянной городской суеты. Он ищет для себя новые стремления. Но пока разваливается брак, Кит заводит интрижку с Джорджем. Через некоторое время Порт, начиная подозревать что-то неладное, понимает, что жена вполне могла ему изменить, поэтому прилагает все усилия для того, чтобы избавиться от попутчика, доставляющего проблемы.

Картина «Под покровом небес», основанная на романе американского писателя Пола Боулза, была поставлена известным режиссером Бернардо Бертолуччи. Сам же автор оригинального произведения появляется в самом финале картины, выступая в роли рассказчика. Однако не лишним будет отметить, что сам Боулз испытал сильное недовольство от конечного результата, раскритиковав режиссерскую работу Бертолуччи. Кроме того, сам по себе фильм был неоднозначно принят как критиками, так и общественностью.

Заметно, что в самую первую очередь режиссер пытается показать влияние окружающего мира на персонажей, используя для этого каждый кадр ради погружения зрителя в атмосферу основного места действия. Для реализации этой цели он пригласил известного итальянского оператора Витторио Стораро, поэтому за качества картинки можно было не беспокоиться с самого начала. Визуальная сторона действительно притягивает зрительское внимание, поражая своим великолепием. Именно работа оператора стала одним из главных достоинств картины.

Однако справедливо будет отметить, что увлечение визуальной стороной далеко не всегда идет на пользу фильмам. В данном случае оттягивая с сюжета в сторону визуальной составляющей, режиссер соскальзывает с ритма, что приводит к ощущению прерывистости. Если первая часть не вызывает вопросов, то вторая половина выглядит фрагментарно, не давая возможности воспринимать «Под покровом небес» как полноценное и цельное произведение.

Несмотря на указанное, «Под покровом небес» - это то кино, которое плохим назвать никак нельзя, однако история, рассказанная на экране, никак не принимает формы, заданные писателем.

Приступая к работе над фильмом «Тэсс», Роман Полански уже успел поработать в США и заработать себе всемирную известность. Сняв в Америке несколько успешных фильмов, он был на волне славы. Французский продюсер, режиссер, сценарист и актер Клод Берри, восторгавшийся деятельностью Полански, решил предложить ему работу и довольно неплохой бюджет. Полански же предложил роман Томаса Харди «Тэсс из рода дЭрбервиллей, вышедший в 1891 году. Именно так экранизация произведения стала одним из самых крупнобюджетных проектов в истории французского кинематографа, а семнадцатилетняя Настасья Кински, исполнившая центральную роль в фильме, в одночасье стала невероятно востребованной и популярной, прием не только во Франции.

Действие фильма происходит в викторианской Англии. Крестьянин узнает о том, что принадлежит к аристократическому роду. Надеясь получить какую-нибудь выгоду от полученной информации, он отправляет свою дочь Тэсс в поместье предполагаемых родственников. «Кузен» Алек совращает юную девушку, а сама она возвращается домой беременной. Вскоре ребенок погибает. В действительности оказывается, что Алек нувориш. Узнается, что его отец купил права на получение титула и аристократического имени.

Тэсс находит свою любовь Энджела, сына пастора. В свадебную ночь она решает рассказать ему о своем прошлом. Энджел не может принять то, что он услышал, а потому, не желая прощать свою возлюбленную, уезжает в Бразилию. В его отсутствие Алек начинает преследовать девушку.

«Тэсс» - это фильм, который режиссер посвятил своей жене, убитой в 1969 году. Связано это с тем, что во время их последней встречи Шэрон Тэйт дала Полански роман Харди, заметив, что из этого произведения мог бы получиться замечательный фильм. Главную роль исполнила новая возлюбленная режиссера.

Съемки английской глубинки затянулись на восемь месяцев и проходили на севере Франции из-за того, что сам Полански в этот момент находится в розыске, и боялся экстрадиции из Великобритании в Америку. По его требованию пейзажи заранее приводили в необходимый вид. Кроме того, для съемок финала пришлось даже выстроить макет Стоунхенджа.

Картина было удостоена премии «Оскар» за образцовую операторскую работу. Однако нельзя не отметить тот факт, что оператор Джеффри Ансуорт скоропостижно скончался в тот момент, когда съемки были в самом разгаре, поэтому на его место был поставлен Гислен Клоке, поэтому часто указывается на неоднородность сцен, над которыми работали разные по стилю операторы.

Довольно часто отмечается, что картина весьма близка к оригинальному произведению, но имеет некоторые различия, основным из которых становится взгляд режиссера на природу человека. Взгляд Полански кажется намного пессимистичнее. Однако длящаяся три часа картина до конца держит неспешный ритм, который был присущ оригинальному роману.

Исключительно положительно можно отметить музыкальное оформление, написанное Филиппом Сардом, который до этого уже успел поработать с режиссером. Сам же Сард неоднократно заявлял, что музыка в фильме является неотъемлемой частью сюжета.

«Тэсс» - это непростое кино, наводящее на размышление, поражающее своей красотой вниманием к деталям и обладающее замечательным сценарием и великолепным актерским составом.

Поражен, что у этого потрясающего фильма нет отзывов и рецензии, а рейтинг даже ниже, чем у «Укрощения» с Тейлор и Бёртоном. Могу объяснить это только тем, что фильм черно-белый. Но, знаете, когда смотришь на наброски углем великих мастеров (с сцена прибытия «Петруччо»-Панина на свадьбу с «Катариной»-Касаткиной прямо таки словно «срисована» замечательным режиссером Сергеем Колосовым с какой-либо из картин Брейгеля или Дюрера), тогда-то и понимаешь, что это и есть искусство. А не висящий рядом цветной плакат. Я ничем не хочу обидеть прекрасный и. главное, цветной, фильм великого Дзеффирелли (да-да, тот самый постановщик непревзойденного фильма «Ромео и Джульетта) с Бёртоном и Элизабет Тейлор! Но концовку-то эта пара прекрасных артистов, на мой взгляд «слила», а с умной точки зрения :) недопоняли или актеры или режиссер итоговый смысл пьесы Шекспира. Свели все к банальному «укрощению», «ломке характера женщины под себя» - поэтому неудивительно, что в финале фильма Дзеффирелли «Катарина»-Тейлор, наперекор воле мужа, взбунтовавшись, убегает. И персонаж Бартона (где его-то гордая строптивость?) бросается следом.

Такая версия имеет право на жизнь, но она не «шекспировская». Более того, У Шекспира концовка интереснее и мудрей.

Вот англичане в «Шекспире на новый лад» прекрасно поняли смысл пьесы прекрасные артисты Руфус Сьюэлл и Ширли Хендерсон, как и Ольга Касаткина и Андрей Попов в «Укрощении строптивой» Колосова, тоже показывают что «укрощение строптивых» - а оба героя по характеру строптивцы те еще! по сути, любовная игра. Которая заключается во взаимной притирке если хотите «ломке», - собственных характеров под столь же непокорную натуру полюбившегося с первого взгляда человека. Я фанат и Сьюэлла, и маленькой Хендерсон, и того, что эта пара сотворила из "Укрощения строптивой", но то ли им не хватило мастерства, то ли была установка режиссера («иначе современный зритель не врубится»!) и в финале они об этом говорят. Прямо, глядя в камеры или на мать и сестру Катарины, объясняют: «я могла бы положить кисти рук под твои ботинки, но ведь ты этого не захочешь?» - «Кончено, нет, но вдруг взбредет мне блажь и в этом наш интерес друг к другу, ведь черт знает, что ты тогда выкинешь, строптивая!» - в этом и заключается смысл пьесы. Герои не «ломают» характеры друг друга, а «подламывают» их один под другой. Чтобы потом всю жизнь в супружестве жилось интересно!

Но если Сьюэлл и Хендерсон об этом говорят, то Касаткина и Попов то же самое показывают зрителю молча. Видимо, зритель тогда был умнее, или актеры талантом смогли «вытащить» эту потрясающую финальную сцену. Вся эта сцена потрясающая любовная игра, намекающая, что сила женщины в её слабости и в силе её мужчины. А сила настоящего Мужчины в уважении своей Женщины (ну разве хоть один из отданных Петруччо Катарине приказов был оскорбительным? абсурдным, глупым а на самом деле ироничным, но никак не оскорбительным). И вот мужчина приказывает одно, его улыбка одновременно и просит извинения за слова и пригашает к игре. А его женщина, распахивая лучащиеся счастьем глаза отвечает: «понимаю, приколемся, пожалуй, это будет даже забавно раздразнить этих гусынь и их самодовольных мужей".
Потрясающе!

А то, что фильм шедевр, я понял задолго до этой знаменитой финальной сцены. Сначала картина кажется «обычной» - ну красивее декорации, очень удачно переданная «речь толпы о двух сестрах», красотка Бьянка (прекрасная и талантливая Ольга Красина мне куда больше понравилась в начале истории. как и было задумано режиссером), менее красивая на её фоне Катарина. Бухающий с друзьями дворянин с надеждами на богатую вдовушку. «пусть та хоть и стара или страшна». Но вот первая встреча главных героев! Петруччо цинично, самоуверенно расселся, уверенный, что «охмурит любую». Катарина, как и любая девушка, очень желающая найти своего Мужчину, но полная недоверия и испуга предыдущие женихи дали ей для этого повод! с подозрительностью спускается по лестнице Гениальные актеры Панин и Касаткинапросто пару мгновений смотрят друг другу в глаза и мы понимаем: Эти Мужчина и Женщина нашли друг друга. Они созданы друг для друга. Но слишком они разные? Или слишком похожие? Попытайтесь сами разобраться в этом в сцене с их последующим диалогом «о, моя голубка»!
Этот фильм, вне сомнений, шедевр. И уж точно - лучшая экранизация «Укрощения строптивой». Ираз фильму с Тейлор и Бёртоном в рецензии выставлено 9 баллов (не мной):), мне остается только одна оценка.

На закуску два любопытных факта об «Укрощении строптивой» Колосова, ставшего мужем Касаткиной: эта пара тоже хорошо поняла Шекспира и жила долго, счастливо, весело и не смогли жить друг без друга. Дело в том, что фильм калька с изначальной театральной постановки 1936-ого года. уважаемого Виссарионычем режиссера, трижды лауреата Сталинских премий менее, чем за 10 лет. -- А.Д. Попова. Наверное, именно поэтому так тонко понимает смысл пьесы Шекспира «Петруччо» - Андрей Попов, сын Алексея Дмитриевича.

Зритель, знакомый с творчеством режиссера, прекрасно знает, что название картины уже присутствовало во фразе, произнесенной в фильме «Млечный путь», где было сказано, что свобода есть лишь призрак. Фраза, как и название фильма, является данью Карлу Марксу, написавшему в «Коммунистическом манифесте» о том, что призрак коммунизма бродит по Европе.

Кроме того, свобода, которая в самой первой сцене выглядит свободой социальной и политической, затем получает иной смысл свобода творца и художника столь же иллюзорна, как и любая другая.

Сам же Луис Бунюэль говорил о том, что ему было трудно писать и ставить фильм. Он представлялся ему несколько отчужденным, а некоторые эпизоды затмевали другие. Несмотря на это, он неоднократно говорил о том, что «Призрак свободы» является одним из тех фильмов, которым он отдает свое предпочтение. Режиссер говорил, что ему интересен замысел, любовная сцена между теткой и племянником, сцены поиска потерявшейся девочки, которая никуда и не исчезла, сцена с префектами полиции. Кроме того, он выделял финал в зоосаде.

Нельзя не отметить, что сам режиссер говорил о том, что раздумывая над «Млечным путем» (1969), «Скромным обаянием буржуазии» (1972) и «Призраком свободы» (1974), сделанными по оригинальным сценариям, представляет их своеобразной трилогией. Впрочем, иногда он называл их средневековым триптихом. Одни и те же вопросы, темы и даже фразы можно увидеть и услышать во всех трех фильмах. Бунюэль говорил о том, что все они о поиске истины, от которой необходимо бежать, еда она открыта. Он также добавлял, что в них заложена демонстрация неумолимая сила социальной рутины.

Режиссер строит фильм как серию неординарных эпизодов, ни один из которых не имеет традиционного логического и смыслового завершения. Однако если в своем втором фильме трилогии все время прерываемая процедура поглощения пищи использовалась в качестве главного побудительного мотива к действию, то здесь события соединяются лишь благодаря своей парадоксальности.

Буржуа, собравшиеся на ужин, восседают за большим столом на унитазах. Со спущенными штанами они ведут светские беседы. А если неожиданно кому-то вздумается насладиться пищей, то для этого необходимо уединиться в туалетной комнате, чтобы в одиночестве удовлетворить естественную потребность организма. Патриоты, которых приговорили к смертной казни, кричат: «Да здравствуют оковы».

Молодой человек снимает номер для того, чтобы исполнить свою давнюю мечту переспать с женщиной, воспитывающей его с самого детства. Некий мужчина дарит маленьким девочкам очень подозрительные открытки. Зритель, заподозривший что-то не то, неожиданно получает разгадку: на открытках запечатлены достопримечательности столицы.

В картине «Призрак свободы» переплетаются смысл и бессмыслица, логика и абсурд, меняя свои значения с одного полюса на другой.

Сценарий повествует сложных временах, наступивших для древнего монашеского ордена. Аббат скончался, а сам монастырь практически разваливается. Денежных средств катастрофически не хватает. Не хватает их не только на реконструкцию, но и даже на аренду. Но в Италии осталась последняя обитель ордена, и теперь трем монахам Арбо, Тассило и Бэнно предстоит непростой путь.

Смогут ли они не свернуть пути? Смогут ли они остаться верными своему делу?

Режиссер Золтан Спиранделли начал свой творческий путь в кинематографе в 1995 году, сняв свой первый короткометражный фильм. Картина не имела успеха, однако им заинтересовались телевизионные продюсеры, предложившие поработать над сериалами и телевизионными фильмами. Оказавшись на немецком телевидении во второй половине девяностых годов, он успел снять теле-фильма и несколько эпизодов разных сериалов, прежде чем дебютировать с фильмом «Иди себе с богом», который стал его первой работой, снятой для широкого кинотеатрального проката. Сняв ее, он вновь вернулся на ТВ, где хоть и не добился серьезных успехов, но нашел свое место.

Его фильм «Иди себе с богом» по праву считается одним из самых известных и знаменитых в фильмографии и представляет собой очень своеобразное роуд-муви, в котором после смерти настоятели монахи покидают стены старого монастыря в поисках собратьев в далекой Италии.

Спевшиеся монахи довольно быстро обнаруживают, что они довольно сильно отличаются друг от друга. У каждого из них есть свои склонности, желания, амбиции личностного и возрастного характера. К примеру, одного из них тянет к земле, чтобы тихо и мирно заниматься земледелием. Другой увлекается научной деятельностью и готов измениться и изменить свое окружение, если так потребует того ситуация. Что касается третьего, то он еще совсем молод, всю свою жизнь провел в стенах монастыря, а потому и проявляет неподдельный и искренний интерес к происходящему. Особенно это касается его интереса к женщинам.

Кажется, что они настолько разные, что вместе их ничего не удержит. Однако сила того, чему они служили много лет, то во что верили, помогает им перебороть себя, преодолеть препятствия и попасть к себе в новый дом.

«Иди себе с богом» - это фильм-притча, в котором путешествие наполнено прекрасными видами и ловко вплетенным грегорианским пением. Незамысловатая история становится забавной благодаря ситуациям, в которые попадают центральные персонажи, а музыкальное оформление гармонично вписывается в визуальный ряд.

«Поцелуи» - это ирландский драматический режиссера Лэнса Дэйли и выпущенный на экраны в 2008 году.

Лэнс Дэйли начал свой творческий путь в кинематографе 2001 году и сразу же укоренился в драматический жанр. Его первая картина не принесла оглушительного успеха, однако в 2004 году Дэйли вновь попробовал себя, выпустив свою первую комедию, которая принесла ему славу у себя на родине. В 2008 году вышел фильм «Поцелуи», ставший его третьей по счету работой в амплуа режиссера и сценариста. Картина была тепло принята и получила распространение за пределами Ирландии. Достаточно часто отмечается, что именно данный фильм привлек внимание зрителей и критиков к персоне Дэйли. С этим довольно трудно поспорить, ведь свой следующий фильм ему было предложено снять в США. Однако его первая работа для американского рынка провалилась в прокате, собрав сумму, которая и близко не приблизилась к бюджету, составившему довольно скромную по голливудским меркам сумму в шесть миллионов.

Возвращаясь к фильму «Поцелуи», стоит отметить, что Дэйли, не имеющий внушительного финансирования, взял на себя не только режиссуру, но и написание сценария. Впрочем, если посмотреть на его фильмографию, то можно прийти к выводу, что Дэйли предпочитает самостоятельно писать сценарии к своим фильмам. Однако можно еще заметить, что в данном фильме Дэйли числится одним из продюсеров и даже операторов. Именно по этой причине влияние Дэйли ощущается намного больше, чем остальных деятелей, занятых созданием картины.

Основная сюжетная завязка строится на том, что после очередной ссоры родителей подросток Дилан сбегает из дома. В этом ему помогает подружка Кайли. Вместе они направляются в Дублин для того, чтобы найти брата Дилана, который сбежал из дома за два года до него. Но они еще не представляют, что ночной город может полностью изменить их.

Трудности семьи вывели подростков на улицы Дублина, где они оказались никому не нужны. Они ведут себя так, словно им хочется и нравится быть полностью предоставленными только лишь сами себе. Они тратят деньги, которые у них есть, помогают музыкантам и проживают это время так, как сами того хотят. За то время, что у них есть, герои попадают в сложные ситуации и сталкиваются с реальными проблемами, которых дома не было: отсутствие питания, ночлега, поиски брата, которые не дают результатов и даже похищение Кайли. Однако все это их не останавливает, а романтика ночного города никуда не исчезает, с каждой минутой маня все больше и больше. И неизвестно, как бы их жизнь развивалась, если бы они не оказались в полицейской машине.

Имея скромный бюджет, Дэйли удалось снять фильм, который можно назвать ярким представителем ирландского кинематографа, имеющего много интересных находок и повествующего о нелегкой жизни подростков в пригороде Дублина.

«Уитнэйл и Я» - это популярная черная комедия режиссера Брюса Робинсона, выпущенная на экраны в 1987 году благодаря финансовой поддержке компании Джорджа Харрисона HandMade Films. Сразу же после выхода в Великобритании картина практически приобрела статус культовой. Кроме того, фильм вызвал серьезный интерес со стороны далеко не только британских зрителей.

В центре событий картина находится невостребованные актеры. Первым героем становится Марвуд, от лица которого и ведется рассказ. У Марвуда есть друг Уитнэйл и вместе они живут в старом доме, разделяя одну неухоженную квартиру и полностью пропивая свои пособия по безработице. Живут вместе они исключительно для того, чтобы можно было разделять затраты и всегда было с кем выпить.

Для того, чтобы хоть как-то выбраться из мрачных повседневных будней, они решают некоторое время провести в идиллическом месте, где дядя друга главного героя владеет домом. Сам же дядюшка Монти от этой идеи не испытывает восторг и дает свое согласие лишь тогда, когда Уитнэйл обманывает. Обман заключается в том, что Уитнэйл заверяет своего дядю, предпочитающего нетрадиционные отношения, в том, что Марвуд тоже гей.

Оказавшись на месте, друзья быстро осознают, что их надежды не оправдали ожиданий. Отдых оборачивается полным провалом, а сама загородное жилище оказывается в запустении. На улице постоянно идет дождь, создавая еще более мрачную атмосферу. Продукты и алкоголь довольно быстро заканчиваются, а местные жители не проявляют интереса к приехавшим людям. Кроме того, обитатели этих мест явно не в восторге от Уитнэйла и Марвуда, проявляя по отношению к ним враждебность и даже агрессию. Кроме того, ситуацию осложняется тем, что дядя Монти постоянно проявляет интерес к ничего не подозревающему Марвуду.

Не секрет, что сценарий, написанный самим Брюсом Робинсоном, является частично автобиографичным. За основу он взял свой неопубликованный роман, завершенный в 1969 году. В романе Робинсон подразумевал себя под именем «Марвут», однако в фильме это безыменный персонаж «я». Имя Марвут показывают лишь мельком один раз в адресе на телеграмме.

Выдвигаемому в центр персонажу Робинсон дал имя «Уитнэйл» в честь одного из близких друзей своей юности. Однако прототипом персонажа стал сосед режиссера, скончавшийся от рака спустя несколько лет после выхода фильма на экраны.

Что касается образа дядя Монти, то на его характер и действия повлияли впечатление Робинсона от общения с режиссером Франко Дзеффирелли, в одном из фильмов которого Брюс Робинсон исполнил роль.

За сценарий к фильму режиссер получил символический один фунт. Выручка от продажи билетов на премьере составила более полумиллиона фунтов. После этого картина была растиражирована на VHS кассетах, что и привело к небывалой популярности фильма, который в итоге даже послужил основной для создания алкогольной игры из-за постоянного алкогольного опьянения центральных героев.

Происходящее на экраны довольно сложно описать словами. Здесь и социальная сатира, и реалии жизни, и фарс, и трагикомедия, и пародия. И все это подается со стороны двух персонажей. Зрителя мастерски доводят до точки невозврата, за которой практически ничего нет. Однако один из персонажей с полной уверенностью шагает дальше, в то время как другой поворачивает назад, прекрасно понимая, что нужно что-то менять. Но осознание приходит только в том случае, когда появляется альтернатива.

Вдали от шумных японских городов, где жизнь кипит как днем, так и ночью, расположился густой безмолвный лес. Лес манит своей таинственностью и загадочностью. В этих местах загадочным образом погибают кустарники, утрачивающие силы корней. А посреди леса находится пустынная поляна, в центре которой стоит чахлое дерево без листвы и с тонкими ветками на худом стволе. Это дерево называют Харизмой.

Несмотря на ощущения покоя и мира в этих местах, присутствующие люди развивают конфликт. Именно их интересы своими громкими спорами нарушают атмосферу тишины и безмятежности. Сам же конфликт разворачивается вокруг одинокого и хилого дерева. Первым персонажем становится Кирияма, когда-то трудившийся в местном и уже давно прикрытом санатории. Кирияма усердно и бережно ухаживает за деревом, оберегая его от внешних раздражителей. Другой стороной конфликта становится Джинбо, женщина-ботаник, твердо уверенная в том, что дерево токсично и отравляет весь лес. Она полагает, что если дереву срубить, корни выдернуть из земли и сжечь, то лес сможет восстановиться. В противном случае лес так и будет подвергаться опасности. Между двух этих крайностей оказывается экс-полицейский Ябуке, отправленный в бессрочный отпуск из-за провала на очередном задании. Ябуке представлен нам типичным японским трудягой, чьим желанием становится тихий, мирный и спокойный отдых в умиротворенном месте. Успокоения он хочет найти в тихом лесу, однако вместо этого он оказывается перед непростым выбором спасти дерево или спасти лес. От него многое зависит и ему необходимо принять чью-то сторону.

Кажется, что режиссер картины непросто так сформулировал главную проблему, в которой некоторые зрители увидели метафору выбора между интересами социума и индивида. Так это или нет решать каждому зрителю самостоятельно, однако стоит признать, что данная проблема актуально в Японии уже не первый год. Ведь страна обладает внушительным количеством населения, учитывая территорию государства. Здесь население сливается в массу, стекающуюся потоком из офисов в станции метро и обратно. В этом потоке уникальная личность неразличима, теряясь среди остальных людей. Насколько же ценна человеческая индивидуальность и личность?

«Харизма», обладающая философской составляющей, имеет великолепную атмосферу, делающую принадлежность фильма гораздо более сложной, чем это кажется на самый первый взгляд. Однако, несмотря на мистические явления, «Харизма» приходит к рациональным и логически обоснованным выводам.

«Харизма» - это довольно своеобразное кино, где жуткая тишина наполнена гармоничным музыкальным оформлением, нагнетающим ужас, а мрачные мизансцены и необычные ракурсы съемок делают из картины зрелище, которое полностью погружает в происходящее на экране.

Режиссер Марта Кулидж начала свою карьеру еще в первой половине семидесятых, сняв пару несколько документальных фильмов, не получивших широкого распространения. Уже во второй половине того же десятилетия она впервые попробовала себя в режиссуре художественных фильмов, однако успех к ней пришел лишь в 1983 году. Сняв несколько фильмов, получивших широкое распространение не только в США, Кулидж стала экспериментировать с жанрами, однако зритель, знакомый с ее творчеством, прекрасно знает, что ее фильмы всегда отличаются легкостью повествования. Кроме того, если проследить ее фильмографию, то можно заметить, что чаще всего она обращается к жанру комедийной мелодрамы. Потому и нет ничего удивительного в том, что картина «Три желания» весьма сильно отличается от остальных фильмов Кулидж.

Сюжет. Муж Джинны погиб во время корейской война, и ей в одиночку приходится воспитывать двух сыновей. Все ее время уходит на сыновей, которым не хватает отцовской поддержки и заботы. Дети растут неуверенными в своих силах и нуждаются в человеке, который сможет им эту уверенность придать. Однажды мать-одиночка сбивает прохожего.

Чувствуя себя виноватой и желая хоть как-то помочь пострадавшему, она настаивает на том, чтобы Джек пожил у не дома до того момента, пока он не оправится от полученной травмы. Однако она даже представить не могла, что Джек обладает уникальными способностями и способен кардинально поменять ее жизнь. Совершая необычные поступки, он дарит семье радость и счастье.

«Три желания» - это неспешное кино, которое с каждой минутой все больше и больше погружает зрителя в необычную атмосферу. Начинаясь как традиционная мелодрама, фильм обрастает элементами фэнтези и уклоняется в драму. Благодаря почти двухчасовому хронометражу авторам удается раскрыть характеры персонажей и сделать их многогранными и объемными.

Исключительно положительно можно отметить атмосферу, созданную авторами картины. Достаточно точно передан дух жизни США пятидесятых годов. Стоит отдать должное художникам-постановщикам, чья работа является одним из главных и несомненных достоинств картины.

Нельзя не отметить актерский состав, в котором центральные роли достались Патрику Суэйзи и Мэри Элизабет Мастрантонио. Суйэзи вжился в образ бродяги, бездомного путешественника, у которого нет абсолютно ничего. Но случай сводит его с одинокой матерью, изменяя ее жизнь раз и навсегда. Что касается Мастрантонио, то она составила замечательный дуэт Суэйзи и не теряется на его фоне. Их актерские работы можно с полной уверенностью назвать еще одним достоинством фильма.

Суммируя все это, можно прийти к выводу, что «Три желания» - это добрый фильм, в котором драма наполняется элементами фэнтези и погружает зрителя атмосферу ушедшей эпохи.

Уоррен Битти является одним из самых ярких символов американского кинематографа. На фильмах Битти выросло уже не одно поколение, а сам он заполучил известность не только в качестве актера, но и реализовал свой потенциал в режиссуре, продюсерской деятельности и в написании сценариев. Дебютировав в режиссуре в 1978 году, Битти смог заполучить невероятный успех, признание критиков и любовь зрителей. Потому и нет ничего удивительного в том, что задуманная им еще в начале семидесятых годов биографическая картина о жизни американского писателя, коммуниста и журналиста Джона Рида, автора хроники Октябрьской революции «Десять дней, которые потрясли мир» 1917 году, вызывал неподдельный интерес еще до выхода.

Сценарий фильма, как известно, является адаптацией мемуаров Джона Рида. Итогом стала традиционная голливудская эпическая биографическая картина, посвященная жизни и деятельности Джона Рида и его отношениям с Луизой Брайант.

Кроме того, нельзя не отметить, что в картине можно увидеть и услышать интервью с так называемыми «свидетелями», реальными историческими личностями. Это несомненный плюс, делающий фильм не только биографическим, но и документальным. При этом стоит заметить, что запись со «свидетелями» велась еще в самом начале семидесятых годов, когда Битти впервые проявил интерес к созданию данного фильма.

Нельзя не отметить потрясающий актерский состав, игра которого не оставляет никаких вопросов. Уоррен Битти исполнил роль Джона Рида, а Дайан Китон вжилась в образ Луизы Брайант. Нельзя не отметить Эдварда Херрманна, исполнившего роль Макса Истмена, талантливого Джека Николсона, вжившегося в образ Юджина ОНила и Морин Стэплтон в роли Эммы Голдман. Из знакомых лиц можно увидеть Пола Сорвино, Николаса Костера, М. Эммет Уолш, Джина Хэкмена, Макса Райта и Уильяма Дэниелса. Актерский состав стал одним из главных украшений картины.

Картина была отмечена целым рядом наград, среди которых следует отметить три премии «Оскар» в категориях «Лучшая женская роль второго плана» (Морин Стэплтон), «Лучшая операторская работа» и «Лучшая режиссура». Картина также удостоилась двух премий BAFTA в категориях «Лучший актер второго плана» (Джек Николсон) и «Лучшая актриса второго план» (Морин Стэплтон). Примечательно, что картина «Мой парень псих» стала первой за 31 год со времен «Красных», отмеченной сразу же во всех четырех актерских категориях.

Примечательно, что прямо во время съемок Битти читал лекции русским актерам, чья деятельность сводилась лишь к работе в массовке. Лекции читались о капиталистических методах использования рабочей силы. Этот ход оказался на четвертом месте в списке самых глупых решений в кинематографе по версии журнала Total Film, чьи сотрудники опубликовали список в 2004 году. Такое положение сложилось из-за того, что актеры из массовки вышла на забастовку с требованием повышения заработной платы.

Учитывая все это, нет ничего удивительного в том, что картина «Красные» вызывает неподдельный зрительский интерес уже не одно десятилетие.

В 1960 году знаменитый французский режиссер Жан-Люк Годар выпустил на экраны фильм «На последнем дыхании», который моментально стал классикой не только французского, но и мирового кинематографа. Картина, несомненно, оставила свой след в мире кинематографа. Учитывая тот интерес, который фильм вызывает вот уже много лет, нет ничего удивительного в том, что картиной заинтересовались американские кинематографисты, представившие свою версию фильма Годара.

Несмотря на то, что фильм считается ремейком, еще перед просмотром нужно понимать, что все вышедшие на данный момент версии фильма основаны на рассказе Франсуа Трюффо. Однако внимательный зритель, смотревший информацию о фильме 1983 года, прекрасно знает, что Жан-Люк Годар указан в списке сценаристов, потому и не удивляет, что фильм называют именно ремейком.

Несмотря на указанное выше, между фильмами довольно большая разница, особенно в визуальной стороне. Версия 1983 года пестрит яркими красками, что сильно отличает ее от черно-белого меланхоличного собрата, вышедшего в 1960 году. Кроме того, данный фильм обладает довольно динамичным повествованием и музыкальным оформлением.

Немаловажно отметить своеобразную манеру съемки и монтажа. Уже с самого начала зритель прекрасно осознает, что авторы позаботились о визуальной стороне фильма, где эстетическая сторона довольно часто выходит на первый план.

Нельзя не отметить замечательный актерский состав, прекрасно справляющийся со своими обязанностями. Центральные роли достались Ричарду Гиру и Валери Каприски. Актеры молоды и востребованы. Особенно это касается Ричарда Гира, который тогда находился на взлете своей актерской карьеры. Гир играет персонажа, которого можно назвать прожигателем жизни. Джесси не заботится о том, что будет завтра, предпочитая думать о том, что ждет его сегодня. Он живет лишь одним днем. Кажется, что единственное, что ему по-настоящему дорого француженка Моника, с которой он завел знакомство в Лас-Вегасе. Прожигая свою жизнь, он никогда не оглядывается назад и наслаждается каждой минутой, понимая, что рано или поздно все это закончится.

Что касается Валери Каприски, то она замечательно вжилась в образ чувственной французской студентки. У себя на родине актриса неоднократно украшала обложки модных и популярных журналов.

Немаловажно отметить то, что авторы изящно подводят происходящее на экране к различным формам культуры. Главный герой постоянно цитирует комиксы, влюбленные скрываются в доме, где когда-то жил культовый актер Эррол Флинн, а одна из завершающих сцен происходит на фоне классического фильма «Без ума от оружия». Не обошлось и без отсылок к оригинальной картине. Все это приправлено динамичным музыкальным оформлением.

Раму потерял своих родителей еще в детстве и единственный человек, который остался рядом с ним в это непростое время, - сестра Радха. Именно она стала его смыслом жизни. И это совершенно не удивляет, ведь она поддерживает его во всех начинаниях, она всегда рядом и никогда не бросает. Это именно она придумала выступление в ресторане, она своей энергией и фантазией пробилась на конкурс молодых талантов. Радха всегда ведет своего брата за руку, желая ему лучшей жизни. Но сколько она может находиться вместе с ним? Рано или поздно может что-то случиться, что ослабит или вовсе прервет их родственную связь.

Однажды такое событие действительно случается. Теперь все ее мысли исключительно о муже Решеме. Ее жизнь изменилась и все заботы теперь лишь о том, как бы не попасть под руку пьяному мужу. Ей просто некогда думать о своем брате. Так Раму остается один. Совершенно один. Возможно, от одиночества его способна избавить Джанита. Однако возникает вопрос, а нужна ли она ему? Любит ли он ее? Испытывает ли он к ней какие-либо чувства? Или же два одиночества приютились рядом лишь для того, чтобы не испытывать это ощущение?

От одиночества его могла бы спасти танцевальная труппа, но ее представители с легкостью отпускают своего танцора, утверждая, что у них есть Джанита, поэтому они более нуждаются в его услугах.

В этой жизни по-настоящему он был нужен лишь Радхе, но и та прогнала его. Одиночество замыкается.

Картину «Танцуй, танцуй» довольно часто называют духовным наследником знаменитого индийского фильма «Танцор Диско», что совершенно не удивляет. Тот же герой, те же самые непростые жизненные этапы, только вместе матери сестра. Однако здесь одним из самых ярких персонажей становится персонаж Амриа Пури, которого неоднократно называли главным «злодеем» Болливуда. Своей игрой он с легкостью оттесняет остальных актеров, включая самого Митхуна Чакраборти, исполнившего в фильме центральную роль.

Возвращаясь к тематике «Танцора Диска», стоит отметить, что в свое время фильм успел выйти на советские экраны в самый разгар перестройки и был представлен именно как сиквел. Впрочем, это можно назвать довольно своеобразным, но очень успешным рекламным ходом.

Что касается танцев и песен, то под это дело в фильме отведено немалое количество хронометража. Однако стоит отметить, что все танцы и песни здесь реализуются на сцене, поэтому зритель не увидит эпизоды, в которых герои неожиданно решают петь посреди улицы в компании внушительной массовки, подобранной исключительно для того, чтобы не затмевать центральных исполнителей. Однако фильм все же вышел за рамки сцены, но эти эпизоды можно рассматривать как исключение из общей манеры повествования.

Несмотря на заявленный мелодраматический жанр, картина демонстрирует эпизоды, в которых центральный герой показывает свои бойцовские навыки, выбивая из своих соперников все, что только можно. Однако помимо бойцовских навыков главный герой демонстрирует свое умение танцевать и петь.

Подводя итог, можно отметить, что «Танцуй, танцуй» - это фильм, который в свое время имел успех на территории Советского Союза, поэтому в настоящее время картина способна вызвать ностальгические чувства. И пусть фильм не отличается оригинальным сюжетом, он все же оставил свой след в кинематографе. Несмотря на все свои недостатки, фильм может доставить удовольствие от просмотра.